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Du Grec « mousikê tekhnê » (art des muses), la musique peut se définir comme l’art de combiner les sons afin de produire un effet esthétique.
Principes élémentaires de la musique
Les dernières avancées en matière de musicologie ont permis de démontrer que la musique instrumentale et la musique vocale étaient nées simultanément, contrairement aux études précédentes qui affirmaient que l’instrument découlait de la voix. L’enchaînement des sons dans le temps crée les mélodies. La formation et l’enchaînement des accords (combinaison d’au moins trois notes jouées simultanément) engendrent les harmonies.
Les forces qui les animent s’appellent le « rythme » et le « tempo« .
Les éléments structurants, qui organisent la suite des notes, sont la métrique et la mesure. L’intensité du son est déterminée par la dynamique. Les différents timbres, ou tonalités, sont engendrés par les divers instruments et la voix humaine.
Les premières transcriptions de sons, la notation neumatique (800-1200), apparaît dans le plain-chant. Les neumes servent d’indication mélodique, mais ne donnent aucune précision sur les changements de hauteur de son.
Au XIe siècle, Guido d’Arezzo introduit une portée plus précise qui évoluera au XIIIe siècle vers une notation chorale. C’est au XIVe siècle qu’apparaissent les notations mensuralistes de Francon de Cologne et de Petrus de Cruce qui définissent plus précisément le rythme modal. Du XIVe au XVIe siècle, les musiciens développent la tablature qu’ils basent sur des lettres et des chiffres. Cette tablature sert principalement à l’orgue et au luth. Le système de notation actuel permet d’établir des partitions très précises.
Les hommes et la musique
L’origine de la musique a donné lieu à de nombreuses légendes. Que ce soit dans l’Antiquité ou au Moyen Age, on retrouve des récits témoignant de l’invention du principe musical. Ainsi, Pythagore aurait déduit les premiers fondements physico-mathématiques de la musique en étudiant le son produit à intervalles réguliers par les coups de marteau du forgeron. Parmi les figures mythologiques, fondatrices de la musique, on compte notamment Apollon, dieu des Arts et protecteur des joueurs de cithares, Dionysos, protecteur des joueurs d’aulos, et Orphée dont le chant charmait les dieux et les mortels. On lui attribue aussi l’invention de la cithare.
Le pouvoir de la musique trouve également son expression dans le chant mélodieux des sirènes qui attirent ainsi les navigateurs sur les récifs. Les neuf Muses de l’Antiquité grecque, déesses des Arts et des Sciences symbolisent, par ailleurs, cet univers musical, notamment Calliope, protectrice de la poésie épique et mère d’Orphée, Euterpe, la muse de la Musique, Melpomène qui préside au chant et à l’harmonie et donne naissance aux sirènes, et Polymnie, associée à l’invention de l’harmonie.
A partir du XVIIIe siècle, ces allégories mythologiques font place à des théories plus rationnelles. Rousseau, Hegel et Schlegel font notamment découler la musique du langage. Darwin met en parallèle le chant humain et le chant des oiseaux, tous deux expressions de la parade amoureuse.
Jusqu’au XVIIIe siècle, la musique est abordée à la fois comme science et comme discipline artistique, ce qui donne lieu, aujourd’hui encore, dans l’étude de la musique, à une distinction entre théorie (solfège) et pratique.
A la fin du XVIIIe siècle, le vécu musical devient plus personnel, l’homme et sa sensibilité sont replacés au premier plan, la musique est alors plus romantique. Au XXe siècle, Stravinski conteste à la musique sa capacité à exprimer les sentiments et la replace dans son rapport au temps.
Actuellement, la musique ne correspond plus à un seul concept, car elle a pris de nombreuses formes d’expression.
Histoire de la musique
Les hommes de la préhistoire pratiquaient la musique, un lithophone a été retrouvé sur le site néolithique de N-Dut Lieng Krak au Viêt Nam.
L’Antiquité
L’Egypte est la première civilisation à avoir laissé de nombreuses traces concernant la musique : flûtes simples, flûtes doubles, harpes et cithares étaient couramment utilisées.
Jusqu’au IXe siècle, la musique est restée essentiellement monodique, c’est-à-dire à une seule voix. Les Grecs nous ont transmis un exposé précis de leur structure musicale : sept notes pouvaient être organisées selon sept modes. Les Romains reprirent les principes grecs à leur compte.
Le Moyen Age
Les modes grecs et les chants hébraïques ont durablement influencé la musique du Moyen Age. Grégoire Ier introduit le chant grégorien dans les offices dont la technique évolue et inspire les troubadours.
Au XIe siècle, Guido d’Arezzo fixe les notes telles que nous les utilisons. D’une manière générale, entre le Xe et le XIIIe siècle, on assiste à un fort développement de la musique polyphonique, dont les plus illustres représentants sont Léonin et Pérotin, de l’école de Notre-Dame de Paris. On parle alors d' »Ars antiqua », par opposition à la renaissance de la polyphonie au XIVe siècle que l’on nomme « Ars nova ».
La Renaissance
L’Italie, grâce à l’influence de la musique flamande, tend à devenir le centre musical de l’Europe. Le XVIe siècle voit éclore deux écoles :
- L’école romaine avec Palestrina ;
- L’école vénitienne avec Gabrieli et Willaert.
La musique tend à devenir une expression de l’art plus qu’un simple divertissement.
Le XVIIe et le XVIIIe siècle
Le XVIIe siècle voit la naissance de l’opéra, avec l’Orfeo de Monteverdi (1607), et du concerto, avec Banchieri, Torelli, ou Vivaldi. Souvent aidés par des mécènes aristocrates qui souhaitent faire briller leur cour, les compositeurs du XVIIe et XVIIIe siècles vont exploiter ces nouveaux genres. Parmi ceux-ci notons :
- Jean-Sébastien Bach (concerto pour violon)
- Ludwig van Beethoven, qui se situe entre classicisme et romantisme
- Wolfgang Amadeus Mozart (la messe du couronnement)
- Henry Purcell (l’opéra Didon et Enée).
Scarlatti et Sammartini commencent à imaginer la symphonie.
Le XIXe siècle
L’importance de l’orchestre va être de plus en plus manifeste. Parallèlement, les goûts évoluent aussi vers des petits morceaux brefs et plaisants (comme par exemple, les lieder). L’opéra semble être devenu une expression nationale tant le style varie d’un pays à l’autre. Citons, par exemple, Carmen de Georges Bizet ou le Faust de Berlioz.
Les premiers grands virtuoses du piano comme Chopin renouvellent l’écriture. Le folklore devient une source d’inspiration. La musique française renouvelle le langage musical, notamment grâce à Claude Debussy.
Le XXe siècle
La musique subit une révolution par la remise en cause du système tonal traditionnel. Stravinski est, à ce titre, un précurseur. On exploite alors le dodécaphonisme (Schönberg, Webern) ou le langage polymodal (Messiaen).
L’apparition de la musique électronique permet, dans les années 50, l’utilisation des micro-intervalles. Xenakis fait appel pour ses compositions aux ordinateurs et aux procédés électroacoustiques (musique concrète, comme celle de Pierre Henry). Boulez développe le sérialisme et travaille particulièrement l’organisation des sons dans le cadre de l’Ircam.
Parallèlement, la musique se diversifie et sort des salles de concerts. Le jazz, dès les années 20, exploite le saxophone et la trompette ; le rock’n’roll, après la dernière guerre, a vu éclore une multitude de talents internationaux, comme Elvis Presley ou encore James Brown.
Classifications musicales
On peut classer les types musicaux suivant différents critères, liés à l’esthétique ou à la fonction sociale de la musique. On distingue, par exemple, la musique de film, la musique religieuse, la musique accompagnant les ballets, etc. On différencie également les modes de composition, la monodie, l’homophonie, la polyphonie, ainsi que les diverses catégories, musique vocale, musique symphonique, musique de chambre ou musique électronique. Ces différentes catégories sont, par ailleurs, généralement propres à une époque.
La musique vocale comprend aussi bien le chant accompagné au piano que la musique de choeur (oratorio, messe, cantate, motet, madrigal), ou l’opéra, l’opérette et la comédie musicale.
La musique symphonique, composée à la différence de la musique de chambre pour un grand ensemble instrumental, regroupe la symphonie, le poème symphonique, la suite pour orchestre, l’ouverture et le concerto grosso.
Dans la musique de chambre, on trouve des oeuvres pour instruments à cordes et à vent (sonate solo, sonate trio, quatuor à cordes composé de deux violons, d’un alto et d’un violoncelle, quintette avec piano, quintette à vent, sextette, octette nonette).
Musicologie
La musicologie étudie divers éléments de la musique :
- La connaissance des instruments par l’étude de leur fabrication, leur histoire et les différentes techniques de jeu.
- L’iconographie s’attache à l’étude de la représentation musicale en peinture et en sculpture, et permet d’étayer les recherches quant aux pratiques musicales anciennes.
- L’exécution musicale étudie les modalités d’exécution d’un morceau et se reporte pour cela à l’époque de création de l’oeuvre musicale.
- La notation analyse les formes de transcription musicale.
- La biographie, très développée au XIXe siècle, retrace la vie des musiciens et compositeurs.
- L’étude des styles analyse les caractéristiques d’un compositeur, d’une époque ou d’une école.
- L’acoustique décompose les éléments purement physiques de la musique.
- La psychologie auditive tente de déterminer les répercussions psychologiques du processus auditif.
- La psychologie de la musique étudie les effets de la musique sur l’homme.
- La critique musicale analyse, du point de vue des spécialistes, la composition et l’exécution d’un morceau.
- L’ethnologie musicale s’attache à l’étude de la musique non occidentale et de la musique folklorique européenne.
